TEXTS

Louis Doucet, Octobre 2021

Les premières expériences professionnelles d’Anne Juliette Deschamps ont été dans le théâtre et le cinéma. Elle en a gardé, dans ses productions plastiques, une attirance pour la scénographie et les cadrages pertinents. Ses œuvres – peintures, volumes et installations – recourent à des couleurs douces, pastellisées, étrangères à notre environnement, ce qui produit, d’emblée, sur le spectateur, un très théâtral effet de distanciation. Les références à la mythologie grecque accentuent cette sensation en générant un sentiment d’étrange familiarité avec ce qui est donné à voir. 
    Ses installations, dans lesquelles la frontalité prévaut, révèlent une démarche quasi minimaliste, à base de formes géométriques simples, mais délicatement colorées, qui entretiennent des relations entre elles, mais peuvent aussi affirmer une présence isolément les unes des autres.

Anne Juliette Deschamps' first professional experiences were in theater and cinema. She has kept, in her plastic productions, an attraction for scenography and relevant framing. His works – paintings, volumes and installations – use soft, pastel colours, foreign to our environment, which immediately produces a very theatrical effect of distancing on the viewer. The references to Greek mythology accentuate this feeling by generating a feeling of strange familiarity with what is given to see.

     His installations, in which the frontality prevails, reveal an almost minimalist approach, based on simple geometric shapes, but delicately colored, which maintain relationships between them, but can also affirm a presence in isolation from each other.

Mac Paris exhibition catalog, Fall 2021 selection, France
 

Marie-odile Falais, 2021

In Anne Juliette Deschamps’s work I found echoes of the words of the nabis painter Maurice Denis “Remember that a painting is essentially a flat surface covered with colours put together in a certain order” . I love that we can experience further this reflection with her painted sculptures. Plus it’s basically ASMR for my eyes.

 

Dans l’œuvre d’Anne Juliette Deschamps, j’ai trouvé des échos aux propos du peintre nabis Maurice Denis « Se rappeler qu'un tableau, avant d'être un cheval de bataille, une femme nue ou une quelconque anecdote, est essentiellement une surface plane recouverte de couleurs en un certain ordre assemblées. » 

J'adore le fait que nous puissions expérimenter cette réflexion avec ses sculptures peintes.  De plus, c'est basiquement de l’ASMR pour mes yeux.

@imagine_moi

 

   

Artsper Magazine, 2020

Les œuvres de cette artiste sont des représentations du monde qui l’entoure. Fidèles au style graphique caractéristique de Anne Juliette Deschamps, les œuvres sont anguleuses et avec des arêtes tranchantes. Elles véhiculent des idées conceptuelles, nées de sa propre vision du monde. Elles sont souvent accompagnées de commentaires, permettant de diffuser les messages personnels de l’artiste. Son exposition de 2014, « Fresh to Death », en est un excellent exemple. L’accent y était mis sur l’ours polaire, qu’elle a réinterprété dans des peintures et des sculptures de tailles diverses. Son utilisation de l’ours polaire n’est autre que le moyen d’attirer notre attention sur le réchauffement climatique et la relation de l’homme avec notre environnement. En effet, lorsque l’exposition a été présentée pour la première fois, l’organisation WWF venait d’ajouter les ours polaires à la liste des espèces menacées, d’où leur nom de « Fresh to Death ».

D’autres productions de cette même artiste sont moins chargées émotionnellement, mais demeurent particulièrement intéressantes. Pour example, son exposition de 2019, « Helios », qui s’est déroulée dans le cadre de la Young International Art Fair. Celle-ci, plus conceptuelle, proposait des œuvres installées d’Est en Ouest. Ces dernières reflétaient le parcours du soleil tout au long de la journée. En créant des œuvres réfléchies et intelligentes, Anne Juliette Deschamps nous fait réfléchir à notre position dans l’immensité de l’univers.

The works of this artist are representations of the world around her. Faithful to the characteristic graphic style of Anne Juliette Deschamps, the works are angular and with sharp edges. They convey conceptual ideas, born from his own vision of the world. They are often accompanied by comments, allowing the artist's personal messages to be disseminated. His 2014 exhibition, “Fresh to Death,” is a prime example. The focus was on the polar bear, which she reinterpreted in paintings and sculptures of various sizes. His use of the polar bear is nothing more than a way to draw our attention to global warming and man's relationship with our environment. Indeed, when the exhibition was presented for the first time, the WWF organization had just added polar bears to the list of endangered species, hence their name “Fresh to Death”.

Other productions by this same artist are less emotionally charged, but remain particularly interesting. For example, his 2019 exhibition, “Helios”, which took place as part of the Young International Art Fair. This one, more conceptual, proposed works installed from East to West. These reflected the course of the sun throughout the day. By creating thoughtful and intelligent works, Anne Juliette Deschamps makes us think about our position in the vastness of the universe.

Artsper Magazine

Zelie Keller, April 2019

Enter Anne Juliette Deschamps's enchanting world of wispy lines and curves, saturated with pure, pastels tones. She hypnotises us with her delicates and ethereal paintings, which blend together on her canvas creating rich and poetic works.

With training from the Beaux-Arts (École Nationale Supérieure d'Art) in Bourges and a Scenography degree from École Supérieure des Arts et Techniques in Paris, she has excelled as an artist. She has worked in fashion, brand identity and cinema set design.

Entrez dans l'univers enchanteur d'Anne Juliette Deschamps aux lignes vaporeuses et aux courbes saturées de tons purs et pastels. Elle nous hypnotise avec ses peintures délicates et aériennes, qui se fondent sur sa toile créant des œuvres riches et poétiques.

Formée aux Beaux-Arts (École Nationale Supérieure d'Art) de Bourges et diplômée Scénographie de l'École Supérieure des Arts et Techniques de Paris, elle excelle en tant qu'artiste. Elle a travaillé dans la mode, l'identité de marque et la scénographie de cinéma.

Artsper Magazine

Alyssa PerottMarch 2019

Anne Juliette Deschamps is an exciting French painter, sculptor and draftsman who has exhibited her work internationally, including in the US, Belgium, the UK, Italy, South Korea and France. Working from a particular sensibility that acknowledges whole environments - from the cell to the universe, she produces sculptures, paintings and drawings that balance natural elements with projections of human interpretation. Her pure shapes appear wrapped in colour and full of light.

Anne Juliette Deschamps est une peintre, sculptrice et dessinatrice française passionnante qui a exposé son travail à l'international, notamment aux États-Unis, en Belgique, au Royaume-Uni, en Italie, en Corée du Sud et en France. Travaillant à partir d'une sensibilité particulière qui reconnaît des environnements entiers - de la cellule à l'univers, elle produit des sculptures, des peintures et des dessins qui équilibrent les éléments naturels avec des projections d'interprétation humaine. Ses formes pures apparaissent enveloppées de couleurs et pleines de lumière.

Singulart Magazine

Nick Curtis, June 2017

The organic fluidity of nature contrasted against an angular, urban aesthetic. Embodiments of life and reminders of death placed in proximity to one another. The utterly bestial playing against suggestively sexual feminine forms. All apt descriptors for the dichotomy within the works of French artist Anne Juliette Deschamps, who frequently used the guise Ajee. And while her first sculptural character, SkullSkin (2008), incorporated them into its womanly shape with a removable skull mask, it was her sophomore designer toy outing, Kosplay, that felt more encompassing of these philosophies.

Kosplay consists of two characters, known individually as Kosplay Girl (or simply The Girl) and the Polar Bear, who first manifested as a duo in a sketch by Deschamps in 2010, which she began sculpting herself out of FIMO Air Light polymer clay by Steadtler that same year. True to the title, which is an intentional heterography of cosplay, both of the pieces in Kosplay are masquerading as something other than what they are. Kosplay Girl is a woman and thus inherently a symbol of life, but she is adorned with the likeness of the most common image associated with death, a skull, formed from the pastie-like nipple dots, the triangular navel decoration, and the belt buckle representative of an upper jaw. The Polar Bear, symbolic of the power of nature, has eye coloration akin to an endangered panda, emphasizing the fragility of nature even in its strongest form.


Issued by Bonustoyz/Extended Playz at the end of 2011, there were only three color schemes for the vinyl renditions of Kosplay. Pictured above left-to-right, these editions were: the starkly contrasting Black&White (ltd. 400 sets), the vibrantly colored GlowInTheDark (ltd. 140 sets), and the glossy accentuation spotted SolidBlack (ltd. 60 sets). In all these variations, the 8½ inch tall (21½ cm) Girl featured a removable base stand and capelet accessory, her arms being articulated and her head having impressive mobility atop a ball joint, while the 4½ inch tall (11½ cm) Polar Bear simply stands statuesque.


Beginning in early 2012, handmade rendition of the pair were issued in Limoges porcelain, executed in the material by K.Olin tribu. Slightly shrunken in size, with The Girl standing 7⅞ inches tall (21 cm) and the Polar Bear being 4⅓ inches tall (11 cm), these were issued in extremely limited, numbered editions. Pictured above, left-to-right, these editions were: the original, solid white rendition (Mar. 2012, ltd. 12 sets), the Tomenosuke 6th anniversary celebration exclusive Gold version (Sept. 2012, ltd. 6 sets), and the Platine, or Platinum, color scheme (Oct. 2013, ltd. 12 sets).


Deschamps reimagined the Polar Bear component of Kosplay as a stand-alone form in 2012, sculpting it afresh at a height of 14 inches (35 cm). Cast in resin and finished with acrylic paints, this rendition — Wild Goods — was displayed at Paris’ SLICK Art Fair in October of 2012, presented for the event by the Art Prestige Concept Gallery. Limited to only 8 pieces, with spot coloration on some, these sculptures emphasized that natural element of Kosplay at the cost of the symbolism expressed through the panda decoration and The Girl‘s accompaniment.

But further meaning was reasserted with the All Words White and All Words Ice color schemes in 2014, painted phrases like “Fresh to Death” and “Furry Paradise” becoming reminders of how humanity’s presence can negatively impact nature. Both limited to 3 pieces plus 1 artist proof copy, each numbered and signed by Deschamps, these were joined by the similarly sized Fur series edition, consisting of the mostly blue First Fur, the transitiional Second Fur, and the entirely pinkish-red Third Fur.


Deschamps then debuted a lifesize, 47¼ inch tall (120 cm) fiberglass rendition of the Polar Bear in April of 2014, shown as part of the OFF-Programme Art Fair in Brussels, Belgium. Decorated with its title, Fresh to Death, on its flank, this led the way for 2015’s White edition of 8 signed and numbered pieces (plus 4 artist proof copies), one of which was displayed in Paris’ Parc Montsouris from October of 2016 until January 2017. Returning the emphasis to the fragility of nature, especially the arctic, the De glace (or Of ice) rendition projected video mapping of the Helheim Glacier calving onto the fiberglass form. And with Deschamps continuing to visually communicate the complex relationship between humankind and the environment, she has expressed a desire to bring her statement sculptures full circle by creating a lifesize rendition of Kosplay Girl to accompany her nearly 4 foot tall Polar Bear pieces, which together is her ultimate expression of the resilience of nature and its uncertain future. 

La fluidité organique de la nature contrastait avec une esthétique anguleuse et urbaine. Incarnations de la vie et rappels de la mort placés à proximité les uns des autres. Le tout bestial jouant contre des formes féminines suggestivement sexuelles. Tous les descripteurs appropriés pour la dichotomie dans les œuvres de l'artiste française Anne Juliette Deschamps, qui a fréquemment utilisé l'apparence Ajee. Et tandis que son premier personnage sculptural, SkullSkin (2008), les incorporait dans sa forme féminine avec un masque de crâne amovible, c'était sa deuxième sortie de jouets de designer, Kosplay, qui se sentait plus englobante de ces philosophies.

Kosplay se compose de deux personnages, connus individuellement sous le nom de Kosplay Girl (ou simplement The Girl) et l'ours polaire, qui se sont d'abord manifestés en duo dans un croquis de Deschamps en 2010, qu'elle a commencé à sculpter elle-même en pâte polymère FIMO Air Light par Steadtler. cette même année. Fidèle au titre, qui est une hétérographie intentionnelle du cosplay, les deux pièces de Kosplay se font passer pour autre chose que ce qu'elles sont. Kosplay Girl est une femme et donc intrinsèquement un symbole de la vie, mais elle est ornée de la ressemblance de l'image la plus courante associée à la mort, un crâne, formé à partir des points de mamelon en forme de pastie, de la décoration triangulaire du nombril et de la boucle de ceinture. représentant une mâchoire supérieure. L'ours polaire, symbole du pouvoir de la nature, a une coloration des yeux semblable à celle d'un panda en voie de disparition, soulignant la fragilité de la nature même dans sa forme la plus forte.

 

Publié par Bonustoyz/Extended Playz à la fin de 2011, il n'y avait que trois schémas de couleurs pour les rendus de vinyle de Kosplay. Sur la photo ci-dessus de gauche à droite, ces éditions étaient : le noir et blanc très contrasté (ltd. 400 ensembles), le GlowInTheDark aux couleurs vives (ltd. 140 ensembles) et l'accentuation brillante tachetée SolidBlack (ltd. 60 ensembles). Dans toutes ces variantes, la fille de 8½ pouces (21½ cm) comportait un support de base amovible et un accessoire capelet, ses bras étant articulés et sa tête ayant une mobilité impressionnante au sommet d'une rotule, tandis que l'ours polaire de 4½ pouces (11½ cm) simplement se tient sculptural.

 

Début 2012, une interprétation artisanale de la paire a été réalisée en porcelaine de Limoges, exécutée dans la matière par K.Olin tribu. De taille légèrement réduite, avec The Girl mesurant 7⅞ pouces (21 cm) et l'ours polaire mesurant 4⅓ pouces (11 cm), ceux-ci ont été publiés en éditions extrêmement limitées et numérotées. Sur la photo ci-dessus, de gauche à droite, ces éditions étaient : la version originale en blanc uni (mars 2012, ltd. 12 ensembles), la version Or exclusive de la célébration du 6e anniversaire de Tomenosuke (sept. 2012, ltd. 6 ensembles) et la palette de couleurs Platine ou Platinum (oct. 2013, ltd. 12 ensembles).

 

Deschamps a réinventé le composant Polar Bear de Kosplay en tant que forme autonome en 2012, en le sculptant à nouveau à une hauteur de 14 pouces (35 cm). Coulée en résine et finie avec des peintures acryliques, cette interprétation - Wild Goods - a été exposée à la SLICK Art Fair de Paris en octobre 2012, présentée pour l'événement par la galerie Art Prestige Concept. Limitées à seulement 8 pièces, avec une coloration ponctuelle sur certaines, ces sculptures ont souligné cet élément naturel de Kosplay au détriment du symbolisme exprimé à travers la décoration du panda et l'accompagnement de The Girl.

Mais une autre signification a été réaffirmée avec les schémas de couleurs All Words White et All Words Ice en 2014, des phrases peintes comme «Fresh to Death» et «Furry Paradise» devenant des rappels de la façon dont la présence de l'humanité peut avoir un impact négatif sur la nature. Toutes deux limitées à 3 pièces plus 1 épreuve d'artiste, chacune numérotée et signée par Deschamps, elles ont été rejointes par l'édition de la série Fur de taille similaire, composée de la première fourrure principalement bleue, de la deuxième fourrure de transition et de la troisième fourrure entièrement rouge rosé. .

 

Deschamps a ensuite lancé une interprétation en fibre de verre grandeur nature de 47¼ pouces (120 cm) de l'ours polaire en avril 2014, présentée dans le cadre de la foire d'art OFF-Programme à Bruxelles, en Belgique. Décoré de son titre, Fresh to Death, sur son flanc, cela a ouvert la voie à l'édition blanche de 2015 de 8 pièces signées et numérotées (plus 4 épreuves d'artiste), dont une a été exposée au Parc Montsouris à Paris d'octobre 2016 à Janvier 2017. Remettant l'accent sur la fragilité de la nature, en particulier l'Arctique, l'interprétation de De glace (ou Of ice) a projeté une cartographie vidéo du vêlage du glacier Helheim sur la forme en fibre de verre. Et avec Deschamps continuant à communiquer visuellement la relation complexe entre l'humanité et l'environnement, elle a exprimé le désir de boucler la boucle de ses sculptures de déclaration en créant une interprétation grandeur nature de Kosplay Girl pour accompagner ses pièces d'ours polaire de près de 4 pieds de haut, qui ensemble est son expression ultime de la résilience de la nature et de son avenir incertain.

From toy art to contemporary art

CoArt Magazine, USA

Nicolas Lacroix, Oct 2016

Lux, une abstraction atmosphérique. C’est une allusion aux origines de toute vie en se référant à la création de la matière et au voyage de la lumière à travers l’univers.
Une tentative de matérialisation de la lumière, de sa perception furtive et impalpable et de son interprétation abstraite. Un travail contemplatif qui s’inspire de l’infinie variété de luminosité que nous observons et qui nous englobe.

 

Ajee travaille les lignes, les courbes, les surfaces et met en scène ses sujets de prédilections : la faune et l’environnement.

Mais quelle évolution depuis deux ans et son travail présenté à la Galerie Lacroix en 2014 où renards, ours ou loups donnaient leur sens au titre de l’exposition Fresh to Death.

 

Aujourd’hui, elle peut se passer de mettre en scène cette faune dans son environnement et son travail n’est plus figuratif.

Elle souhaite utiliser le spectateur comme matière figurative à confronter à des œuvres abstraites afin de créer un environnement, positionner les sculptures ou le spectateur en dialogue avec ces œuvres.

Le spectateur est, de fait, en situation de contemplation.

 

Les formes rondes évoquent le disque solaire ou la sphère terrestre, le cercle du cycle de la vie, la maternité, ou la vision, le globe oculaire et l’iris, que la couleur environne et enveloppe de lumière.

 

‘La lumière est fondamentale en ce sens que dans la multiplicité et les impressions que nous fait le monde sensible et le rappel de l’unité qui transcende ces impressions, toujours partielles, et ce rappel de l’unité est le rappel de la poésie à sa tâche.

Dans la peinture de paysages, la lumière est présente et différenciée et active.

La poésie demande aux mots de faire revenir la lumière dans des situations d’existence ou notre pensée découragée, démoralisée, dé-conceptualisée ne voit plus que de la pénombre. 

Faire revenir la lumière plutôt que la pénombre’.

Yves Bonnefoy

 

La lumière, les lumières que nous propose Ajee sont sans doute des plus complexes et des plus chargées symboliquement, celles que la couleur tente de préciser au mieux mais dont la richesse rend l’expression difficile.

Les lumières de l’aube, du crépuscule, de l’heure bleue…

 

Après le figuratif et la suggestion du figuratif, Ajee tend vers l’abstraction à travers la figure du cercle qui véhicule le symbolisme de la perfection, l’absolu, l’infini, le divin.

Lux, an atmospheric abstraction. It is an allusion to the origins of all life by referring to the creation of matter and the journey of light through the universe.

An attempt to materialize light, its furtive and impalpable perception and its abstract interpretation. A contemplative work that is inspired by the infinite variety of luminosity that we observe and that encompasses us.

 

Ajee works with lines, curves, surfaces and stages his favorite subjects: wildlife and the environment.

But what an evolution over the past two years and his work presented at the Galerie Lacroix in 2014 where foxes, bears or wolves gave their meaning to the title of the exhibition Fresh to Death.

 

Today, she can do without staging this fauna in her environment and her work is no longer figurative.

She wishes to use the spectator as a figurative material to be confronted with abstract works in order to create an environment, position the sculptures or the spectator in dialogue with these works.

The spectator is, in fact, in a situation of contemplation.

 

The round shapes evoke the solar disk or the terrestrial sphere, the circle of the cycle of life, motherhood, or vision, the eyeball and the iris, which the color surrounds and envelops with light.

 

'Light is fundamental in the sense that in the multiplicity and the impressions that the sensible world makes on us and the reminder of the unity that transcends these impressions, which are always partial, and this reminder of unity is the reminder of poetry to his task.

In landscape painting, light is present and differentiated and active.

Poetry asks words to bring light back to situations of existence where our discouraged, demoralized, de-conceptualized thought only sees darkness.

Bring back light rather than darkness.

Yves Bonnefoy

 

The light, the lights that Ajee offers us are undoubtedly the most complex and the most symbolically charged, those that the color tries to clarify at best but whose richness makes it difficult to express.

The lights of dawn, dusk, blue hour...

 

After the figurative and the suggestion of the figurative, Ajee tends towards abstraction through the figure of the circle which conveys the symbolism of perfection, the absolute, the infinite, the divine.

Exhibition catalog

Lux, une abstraction atmosphérique. Galerie Lacroix, October 7th - November 5th 2016, Paris France

Nicolas Lacroix, Sept 2014

Fresh to death, expression polysémique s’il en est : la fraîcheur est autant celle de l’excitation que du froid polaire, la mort autant synonyme d’outrance joyeuse que de trépas inexorable. La combinaison des deux termes exprime bien la vision du monde d’Ajee : l’élégance, l’allégresse mêlées à la menace, au danger. Le monde est une source intarissable de beauté, mais cette beauté est sans cesse menacée. La faune arctique, et plus précisément l’ours polaire en sont le symbole.

 

Le travail d’Ajee commence par le dessin. D’abord, elle recherche les ombres et les lumières par les valeurs. Puis elle les reporte sur la toile à la mine graphite. Chaque surface est ensuite peinte dans sa valeur. Enfin, elle procède à une intervention graphique finale pour les lettrages, les flammes, la fourrure, les formes libres…

Lorsqu’un dessin exprime un sentiment suffisamment fort pour être travaillé en volume, elle passe à la sculpture.

Elle modèle un volume, et quand il lui convient, elle le sculpte et le ponce pour suivre les courbes, les plans et les arêtes jusqu’à obtenir le trait qui l’intéressait dans le dessin, avec l’angle de vue correspondant.

 

Il y a dans la figuration de l’ours, qui est au centre de cette exposition, quelque chose d’humain, comme un reflet de l’homme et de sa condition. On peut y percevoir un nouveau Penseur, contemporain et contemplatif, méditant sur le monde et son état.
L’ours d’Ajee est universel : lorsqu’un prototype grandeur nature a été exposé à la OFF Art Fair Brussels au mois d’avril 2014, de nombreux visiteurs du salon ont cru le (re)connaître.

Comme l’ours de Pompon qui exprime la puissance et la majesté dans le simple fait de marcher, celui d’Ajee exprime également l’humilité face à l’immensité qui l’entoure. Il amorce un mouvement ; après avoir été assis il se relève, ne se résigne pas.

 

L’ours est l’homme, roi d’un monde qu’il ne comprend plus.

 

L’historien Michel Pastoureau notait que « les hommes et les sociétés semblent hantés par le souvenir, plus ou moins conscient, de ces temps très anciens où avec les ours ils avaient les mêmes espaces et les mêmes proies, les mêmes peurs et les mêmes cavernes, parfois les mêmes rêves et les mêmes couches ». Le souvenir est toujours là, palpable et poétique, et l’ours est aujourd’hui paré de couleurs irréelles – au blanc glacial s’ajoutent le noir sépulcral, le bleu glacier ou le rose fluo – qui disent les contrastes et contradictions du monde, ses beautés et ses dangers, sa surprenante singularité comme son inquiétante étrangeté.

 

Avant d’être définie scientifiquement comme lumière, la couleur a d’abord été perçue comme matière, comme enveloppe qui recouvre les choses.

L’ ‘’histoire chromatique’’ d’Ajee se rapproche de celle d’autres cultures ‘’qui n’isolent pas les unités colorées à la manière de l’occident, mais s’appuient sur des paramètres qui leur sont propres. L’essentiel n’est alors pas de savoir si une couleur est rouge ou bleue mais de savoir si elle est sèche ou humide, lisse ou rugueuse, tendre ou dure, sourde ou sonore.’’ Les couleurs d’Ajee prennent ainsi une signification nouvelle.

 

L’ours se décline en de multiples formats qui s’échelonnent d’une dizaine de centimètres jusqu’à la grandeur nature.

L’artiste a tout d’abord conçu cet ours avec un personnage féminin, les deux formant un tout par leur relation.

Elle les a sculptés dans un petit format pouvant être édité en vinyle, car ce médium l’intéressait. Il est ensuite devenu porcelaine puis, à l’évidence, il devait grandir. Un volume de 35 centimètres de haut s’est imposé avant de parvenir à sa taille adulte d’un mètre vingt en résine.

Dans une démarche spécifique à cette série, Ajee a également représenté l’ours sur toile au un châssis triangulaire. Elle souhaitait que le sujet déborde du triangle pour en sortir.

 

Ajee a débuté par l’Art Toy, qui lui apparaissait comme une évidence quand elle a commencé parce que c’est sa culture. Elle n’imaginait pas faire autre chose. C’était une évidence.

Aujourd’hui, elle a besoin de sculpter « plus grand », donc des pièces uniques.

 

Ajee présente aussi au sein de cette exposition des toiles aux formats variés et des dessins. On y retrouve, comme dans l’ensemble de son travail, des femmes, et plus largement des animaux.

 

Ce dont Ajee nous parle avec eux, c’est de son respect pour la nature, la faune et la flore, les éléments et l’environnement.

Elle nous propose sa vision du monde à travers les yeux de ses personnages féminins.

C’est ce qu’elle voit d’où elle se tient en regardant au loin, humble et contemplative.

Fresh to death, a polysemous expression if ever there was one: freshness is as much that of excitement as of polar cold, death as much synonymous with joyful excess as it is with inexorable death. The combination of the two terms expresses well Ajee's vision of the world: elegance, joy mixed with threat, danger. The world is an inexhaustible source of beauty, but this beauty is constantly under threat. The arctic fauna, and more precisely the polar bear are the symbol of this.

 

Ajee's work begins with drawing. First, it searches for shadows and lights by values. Then she transfers them to the canvas with graphite mine. Each surface is then painted in its value. Finally, she proceeds to a final graphic intervention for the lettering, the flames, the fur, the free forms...

When a drawing expresses a feeling strong enough to be worked in volume, she moves on to sculpture.

She models a volume, and when it suits her, she sculpts and sands it to follow the curves, planes and edges until she obtains the line that interested her in the drawing, with the corresponding angle of view.

 

There is in the figuration of the bear, which is at the center of this exhibition, something human, like a reflection of man and his condition. We can perceive a new Thinker, contemporary and contemplative, meditating on the world and its state.

Ajee's bear is universal: when a life-size prototype was exhibited at the OFF Art Fair Brussels in April 2014, many visitors to the show thought they (re)recognized it.

Like Pompon's bear, which expresses power and majesty in the simple act of walking, Ajee's bear also expresses humility in the face of the immensity that surrounds it. He initiates a movement; after having been seated he gets up, does not resign himself.

 

The bear is the man, king of a world he no longer understands.

 

The historian Michel Pastoureau noted that "men and societies seem haunted by the memory, more or less conscious, of those very ancient times when with the bears they had the same spaces and the same prey, the same fears and the same caves. , sometimes the same dreams and the same diapers”. The memory is still there, palpable and poetic, and the bear is today adorned with unreal colors – to the icy white are added sepulchral black, ice blue or fluorescent pink – which speak of the contrasts and contradictions of the world, its beauties and its dangers, its surprising singularity as well as its disturbing strangeness.

 

Before being scientifically defined as light, color was first perceived as matter, as an envelope that covers things.

Ajee's "chromatic history" is similar to that of other cultures "which do not isolate colored units in the manner of the West, but rely on their own parameters. The main thing then is not to know if a color is red or blue but to know if it is dry or wet, smooth or rough, soft or hard, dull or sonorous.'' Ajee's colors thus take on a meaning New.

 

The bear is available in multiple formats ranging from ten centimeters to life size.

The artist first designed this bear with a female character, the two forming a whole through their relationship.

She sculpted them into a small format that could be edited on vinyl, because this medium interested her. It then became porcelain and then, obviously, it had to grow up. A volume of 35 centimeters high was imposed before reaching its adult size of one meter twenty in resin.

In a specific approach to this series, Ajee also represented the bear on canvas with a triangular frame. She wanted the subject to go beyond the triangle to get out of it.

 

Ajee started with Art Toy, which seemed obvious to her when she started because it is her culture. She couldn't imagine doing anything else. It was obvious.

Today, she needs to sculpt "bigger", so unique pieces.

 

Ajee also presents within this exhibition canvases in various formats and drawings. We find there, as in all of his work, women, and more generally animals.

 

What Ajee talks to us about with them is his respect for nature, fauna and flora, the elements and the environment.

She offers us her vision of the world through the eyes of her female characters.

This is what she sees from where she stands looking into the distance, humble and contemplative.

Exhibition catalog

Fresh to Death, Galerie Lacroix, September 18th - October 18th 2014, Paris France

Yann-Claude Philippot, Jan 2012

Depuis l'avènement et la reconnaissance de talents comme Amanda Visell, Junko Misuno, Kathie Olivas ou Tara McPherson, l'hégémonie masculine a été mise à mal dans le monde du toy design. Côté français, hormis Fafi, Ajee est la seule femme toy designer à franchir le pas avec une première création remarquée en 2008 (Skullskin). Le label Extended Playz vient de dévoiler une nouvelle figurine encore plus ambitieuse: Kosplay. L'univers d'Anne Juliette alias Ajee est très féminin et hautement suggestif. Ses personnages représentent de jeunes femmes filiformes et anguleuses, avec une approche graphique inédite.

Le traitement du jouet est à des années lumières des silhouettes féminines à la japonaise, glorifiées dans la très populaire branche Hentaï et qui présente des égéries aux attributs mammaires disproportionnés et aux poses ultra suggestives.

Les avatars d'Ajee sont parés de fourrures animales, mettant fièrement en valeur leur féminité sans tomber dans le trop explicite visuel.

Décomplexée et sûre d'elle, Kosplay (21,5 cm) est accompagnée d'un ours (11,5 cm) qui, comme elle, est dual: grâce à unjeu de couleurs, l'animal devient panda, et Kosplay revêt une armure en forme de crâne quoi transcende sa féminité. Imaginez une version féminine de Rahan qui sortirait glorieuse d'une apocalyptique glaciation. Vous y êtes.

Since the advent and recognition of talents like Amanda Visell, Junko Misuno, Kathie Olivas or Tara McPherson, male hegemony has been undermined in the world of toy design. On the French side, apart from Fafi, Ajee is the only female toy designer to take the plunge with a first remarkable creation in 2008 (Skullskin). The Extended Playz label has just unveiled a new, even more ambitious figurine: Kosplay. The universe of Anne Juliette alias Ajee is very feminine and highly suggestive. Her characters represent thin and angular young women, with a unique graphic approach.

The treatment of the toy is light years away from the Japanese feminine silhouettes, glorified in the very popular Hentai branch and which presents muses with disproportionate breast attributes and ultra suggestive poses.

Ajee's avatars are adorned with animal fur, proudly showcasing their femininity without falling into overly explicit visuals.

Uninhibited and sure of herself, Kosplay (21.5 cm) is accompanied by a bear (11.5 cm) which, like her, is dual: thanks to a play of colors, the animal becomes a panda, and Kosplay takes on a skull-shaped armor which transcends her femininity. Imagine a female version of Rahan emerging glorious from an apocalyptic ice age. You are there.

Graffitiart Magazine #14, 2012, Paris France